Wolfgang A. Mozart: Sonata para piano nº 11 en la mayor, KV 331

Ivo Pogorelich, piano

La Sonata para piano nº 11 en La mayor, KV 331 de Wolfgang Amadeus Mozart consta de tres movimientos: 

1. Andante grazioso (tema con seis variaciones)

2. Menuetto (minué-trío)

3. Alla Turca: Allegretto

No se sabe a ciencia cierta cuándo y dónde la compuso Mozart. Se cree que fue en Viena o Salzburgo alrededor de 1783, aunque también es probable que fuera en 1778 en París. Esta sonata es un caso especial. El primer movimiento no tiene la acostumbrada forma sonata. En algunas sonatas clásicas hay variaciones; la forma sonata puede aparecer en un movimiento que no sea el primero. Sin embargo, en la sonata KV 331 la forma sonata no aparece por ningún lado, pues el segundo movimiento es un minué y el tercero un rondó.

El primer tiempo es un tema con seis variaciones. Obsérvese que la traza formal del tema se conserva en cada una de ellas. La primera es un buen ejemplo del tipo de variación florido-melódico; la cuarta, de cómo se reduce la armonía a su esqueleto. Un pequeño recurso, caro a los maestros clásicos, se ejemplifica en la tercera variación, en la que la armonía pasa de mayor a menor. Desde el punto de vista del oyente, es importante darse cuenta del comienzo de cada nueva variación, de suerte que la pieza se descomponga en nuestra mente de manera igual a como estuvo dividida en la mente del compositor.

El segundo movimiento, en forma de minué, se inicia con una idea musical bastante corta, separada del resto por un silencio. Continúa otra idea, bastante más larga, que fluye hasta que —al igual que la idea anterior— queda separada de lo que sigue por un silencio.

El trío crea un contraste con respecto al minué: la música fluye sin cesar, sin separación por silencios. Además, la tonalidad es distinta (antes fue La mayor y ahora está en Re mayor) y tiene una serie de elementos que lo hacen diferente del minué.

El último movimiento de esta sonata es un rondó, es decir una forma por secciones con repetición de un estribillo o ritornello. Este cierre de la sonata KV 331 es tan popular que es frecuente escucharlo por separado. La música imita aquí el sonido de las bandas de jenízaros turcos, lo que estaba muy de moda en la Viena de la época. La fórmula a que puede corresponder estructuralmente es: ABCBAB - coda

Ludwig van Beethoven: Allegro de la Sonata para violín y piano nº 5 en Fa mayor op. 24 "Primavera"

Anne Sophie Mutter, violín

Lambert Orkis, piano 

Esta Sonata podría ser muy bien la más luminosa de todas las que compuso Beethoven para violín y piano, sin que ello implique que la concibiera a la ligera: los célebres primeros compases, por ejemplo, le exigirían mucho trabajo. Por esto debemos contemplarla muy seriamente. Desde la opus 12, una nueva complejidad arropada por una maestría igualmente renovada va haciendo realidad las tempranas promesas y bosquejando el futuro. La sonata "La Primavera" da testimonio perfectamente de este equilibrio. El tema principal del primer movimiento presenta un carácter muy schubertiano: no solamente por su frescura y suavidad, sino también por la expresividad que vuelca Beethoven en él; por ejemplo, en sus cadencias. Pero, pese a todo, se trata de un tema tan claramente "tipo" que, aparte alguna que otra ingeniosa transformación ―particularmente en la coda― el compositor destina todo lo que es esencial de su trabajo creativo al segundo tema y a los motivos que le acompañan. Este segundo tema es particularmente característico: un trazo en semicorchea que concluye en blanca anunciado con todo boato por el registro alto del violín. Más importantes todavía, son quizás, las terceras descendentes, con su ritmo punteado, con el cual el tema arranca: estos fragmentos, sus variantes (intervalos invertidos, por ejemplo), el intervalo ciertamente sorprendente de la figura central son los soportes de este dinamismo latente, de esta plasticidad del movimiento que siempre Beethoven cuidó de expresar. Hasta la re exposición, estos diferentes elementos resultan fáciles de observar. Pero lo que realmente resulta notable es el hecho de que la perfecta elaboración del primer tema excluye su reaparición como un mero y agradable episodio, pues ello correría el riesgo de introducir una falla en la estructura del conjunto. No obstante, su perfil, su silueta, reaparece constantemente; a veces, incluso su hechura toda, pero ya ilusivamente transformada.

Biagio Marini: Sonata sopra 'La Monica'

Il Giardino Armonico

Biagio Marini (Brescia,1597-Venecia, 1665) fue un violinista y compositor que estuvo al servicio de varios señores, pues fue violinista y director musical de la Iglesia de Sant’ Eufemia en Brescia; actuó también en las Cortes de Parma, Múnich, Düsseldorf, Ferrara y Milán. Es autor de madrigales y canzonetas para violín y se le atribuye la composición de una Romanesca (1622) a la manera lombarda o sea, ornamentando la composición con notas abreviadas. Es uno de los primeros representantes de la Escuela Violinística Veneciana; poseedor de una importante y desarrollada técnica de interpretación, como puede observarse en sus obras, fue uno de los primeros compositores que escribió Sonatas virtuosísticas para el violín, derivadas de la canzona multipartita;  en ellas, reduce el número de partes y las delimita perfectamente; las diferencia agudizando los contrastes en lo referente al tempo y al carácter; y aplica la práctica monódica con movimientos lentos de carácter arioso.

El violín empezó a convertirse así en uno de los instrumentos predilectos de la época. Construirlos era un arte tan sofisticado como tocarlos: de la escuela de Niccolò Amati habían surgido importantes artesanos, como Andrea Guarnerius, que era profesor en Cremona.

La Sonata a trío

Es una forma musical que fue particularmente popular durante los Siglos XVII y XVIII. Está escrita para dos instrumentos melódicos solistas y el bajo continuo, haciendo las tres partes un todo, de ahí el nombre. Sin embargo, debido a que el bajo continuo consta habitualmente de al menos dos instrumentos (usualmente un violonchelo o una viola da gamba y un instrumento de teclado como el clave), las sonatas a trío son interpretadas generalmente por al menos cuatro músicos. Las trío sonatas de Arcangelo Corelli son un buen ejemplo.

Los instrumentos melódicos empleados en las sonatas a trío suelen ser dos violines, aunque hay excepciones, como la sonata a trío de la Ofrenda musical de Johann Sebastian Bach, que es para violín y flauta.

Domenico Scarlatti: Sonata para teclado K 209

Scott Ross toca la Sonata de  Scarlatti K209 en Le château de Maisons-Laffitte (1988)
Clave: David Ley

Domenico Scarlatti nació en Nápoles, el 26 de octubre de 1685, y falleció en Madrid, el 23 de julio de 1757. Su padre, el célebre músico Alessandro Scarlatti, fue quien dirigió su formación musical. En 1701 entró en la Capilla Real de Nápoles (en la que su padre era maestro) como organista y compositor. A la manera de la época, se inició con la composición de óperas y música religiosa. En 1705 viajó a Venecia, donde entró en contacto con Haendel, Vivaldi y Gasparini.

En 1707 se encontraba en Roma como ayudante de su padre en Santa María la Mayor. En dicha ciudad también se dedicó a la dirección de orquesta y a la composición de óperas. Asimismo, ocupó el cargo de maestro de la viuda reina de Polonia María Casimira desde 1711 hasta 1714, año en el que comenzó a servir al embajador portugués en el Vaticano, el Marqués de Fontes. En Roma, Scarlatti frecuentó las reuniones de la Accademia dell´Arcadia, convocadas por el cardenal Pietro Ottoboni, en las que se interpretaba música de cámara.

En 1720 se produjo un cambio radical en su trayectoria, cuando marchó a Portugal y España. En el primer país fue maestro de capilla y clavecinista de la corte del rey portugués en Lisboa (1721-1729) y dio clases de clavecín a la infanta María Bárbara, a la que siguió a España tras su matrimonio con Fernando VI, heredero del trono. Vivió hasta su muerte en la corte de Madrid, donde su música le puso en contacto con la aristocracia. Tras su marcha de Italia se consagró a la música para teclado y llegó a crear quinientas cincuenta sonatas, muchas de ellas reunidas en una colección llamada "Essercizi per gravicembalo". Estas piezas fueron copiadas a mano y llevadas a Italia por el castrato Carlo Broschi, “Farinelli”. Las sonatas también despertaron interés en un amigo de Scarlatti, el compositor inglés Thomas Roseingrave, que al regresar a Londres en 1739 publicó allí la primera edición de estas piezas y contribuyó a popularizar la obra del músico italiano en Gran Bretaña.

Scarlatti contrajo matrimonio dos veces, en 1728 y en 1729. Fruto de ambos matrimonios fueron sus nueve hijos. En 1738, el rey Juan V de Portugal le ordenó caballero de la orden de Santiago.

Su obra sacra y sus cantatas profanas son destacables, pero la fama de Domenico Scarlatti se debe principalmente a sus sonatas para clave. Prácticamente todas, salvo algunas excepciones, están escritas en un solo movimiento y en forma binaria. En sus obras intentó romper todas las normas, mostrándose dispuesto a nuevas experiencias armónicas, aunque son identificables esquemas rítmicos del minueto, alemanda, zarabanda, courante y giga. En ellas aparecen experimentos como el cruce de manos, la repetición de notas rápidas y muchos otros efectos novedosos.

Su obra para teclado supuso una gran influencia en la música de compositores ibéricos como el portugués Carlos de Seixas y el español Antonio Soler.

Domenico Scarlatti: Sonata para teclado K 209

Scott Ross, clave

Domenico Scarlatti nació en Nápoles. Estudió con su padre, Alessandro Scarlatti, y posteriormente con el compositor italiano Francesco Gasparini. Scarlatti se dio a conocer al revisar la ópera del compositor italiano Carlo Francesco Pollarolo Irene (1704). En los años siguientes Scarlatti vivió en Roma, Nápoles y Lisboa y realizó giras de conciertos como solista por Europa. En 1728, la infanta de Portugal María Bárbara contrajo matrimonio con el futuro rey de España Fernando VI. Scarlatti la acompañó y se instaló en la corte española en Madrid, ciudad donde permanecería hasta el final de su vida.

Scarlatti ejerció una influencia decisiva en la evolución de la técnica de teclado que fue pilar básico en la composición para ese tipo de instrumento; él fue el primer compositor que utilizó recursos como los arpegios, la repetición rápida de una misma nota y el cruce de las manos. Sus sonatas para teclado son todas piezas breves. De ellas se conservan más de 550, muchas con un inconfundible aire español y en su mayoría dedicadas a la infanta María Bárbara. Scarlatti también compuso varias óperas, música religiosa y obras instrumentales, y su influencia se dejó sentir en compositores como Antonio Soler.

Al igual que la palabra “cantata” hacía referencia a  una composición para canto solista y bajo continuo, en el Barroco la palabra “sonata” indicaba una composición para uno o dos instrumentos de cuerda o viento (violín, flauta travesera, oboe...) y bajo continuo, dividida en tres o cuatro movimientos de carácter contrastante, habitualmente allegro-adagio-allegro (sonata da camera) o adagio-allegro-adagio-allegro (sonata da chiesa). Esta forma instrumental deriva de la canzona, característica del Barroco temprano; la alternancia contrastante de movimientos sucesivos es paralela a la de la suite. Entre los más célebres autores de sonatas están Corelli, Vivaldi y Bach.

A mediados del siglo XVIII la palabra sonata designa también obras para tecla, tales como las sonatas para clave de Domenico Scarlatti, cuya forma es todavía muy distinta a la que se dará en el Clasicismo. Las sonatas de Scarlatti están basadas en dos temas, es decir son bipartitas, de tal manera que el primero está en una tonalidad y el segundo en otra. El enlace entre uno y otro se produce en el final del primero, ya que cadencia en la tonalidad del segundo. Esto será el principio de la gran sonata clásica.