G. F. Haendel: Or la tromba in suon festante, de "Rinaldo"

David Daniels - (contratenor / Rinaldo)

Bayerisches Staatsorchester 

Harry Bicket (director)

“Rinaldo” es la ópera que abre la aventura londinense de Georg Friderich Handel. Después de haber viajado por las principales ciudades italianas y tras su paso por alguna de las cortes más ricas de Alemania, el joven compositor llega a la capital británica deseoso de sorprender y asombrar a su público. En 1711, y gracias al hábil empresario John James Heidegger, Haendel conoció al escritor e intelectual Aaron Hill, el cual le ofreció su último libreto, “Rinaldo”, basado en el texto de Torquato Tasso, “La Jerusalén liberada”, pilar fundamental de la literatura renacentista italiana y europea. La primera versión de “Rinaldo” fue estrenada, con enorme éxito, en el Haymarket Theatre de Londres el 24 de febrero de 1711. Una segunda y diferente versión se presentó en el King’s Theatre de la misma ciudad el 6 de abril 1731.

En la época de las Cruzadas, Goffredo de Bouillon, capitán de la expedición a Tierra Santa, a fin de obtener la ayuda del joven Rinaldo, valiente caballero templario, le promete en matrimonio a su bella hija Almirena, siempre y cuando logre la conquista de Jerusalén. Los cristianos, encabezados por Rinaldo, ocupan Palestina y asedian a su rey pagano, Argante. Mientras tanto, la hechicera Armida, amante de Argante, logra, con su magia, encarcelar a Almirena en el castillo de este último y así atraer a Rinaldo, del cual Armida se enamora. En vano intenta seducirlo, incluso convirtiéndose en Almirena. La historia se complica cuando Argante, a su vez, se enamora de Almirena, quien lo rechaza indignada. Después de innumerables dificultades, Rinaldo con su ejército logra ocupar Jerusalén, captura a Argante y a Armida, y, finalmente, se casa con Almirena.

De todas las bellísimas arias que caracterizan esta ópera, la que le se presenta en el vídeo es “Or la tromba in suon festante”, que Rinaldo canta al final de la ópera cuando pasa revista al ejército cristiano durante la celebración de la victoria.

Georg F. Haendel: Giulio Cesare in Egitto

Dirección musical: William Christie
Dirección escénica: David McVicar
Reparto:
Sarah Connolly (Caesar)
Alexander Ashworth (Curius)
Patricia Bardon (Cornelia)
Angelika Kirchschlager (Sextus)
Danielle de Niese (Cleopatra)
Rachid Ben Abdeslam (Nirenus)
Christophe Dumaux (Ptolemy)
Christopher Maltman (Achillas)
Orchestra of the Age of Enlightenment
Glyndebourne Chorus

El compositor Georg Friedrich Haendel (Halle 1685 - Londres 1759) alcanzó con esta obra una de sus mayores cotas. El libreto es obra de Nicola Haym que a su vez se basó en otro libreto de G. F. Bussani para una ópera anterior, de igual título, con música de Antonio Sartorio, estrenada en Venecia en 1676. El texto es bastante convencional y responde a lo que más tarde se conocería como "ópera seria"; sin embargo, la obra está hábilmente orquestada y posee una gran riqueza melódica. El estreno tuvo lugar el 20 de febrero de 1724 en el King's Theatre de Haymarket (Londres).

ACTO I

Julio César llega con sus tropas a Egipto tras derrotar a Pompeyo, su rival. La segunda esposa de éste, Cornelia, le suplica piedad para su marido y César acepta. No obstante, ello es inútil ya que Achillas, mandatario del ejército egipcio, le ofrece una caja en cuyo interior está la cabeza de Pompeyo, que ha sido asesinado por Ptolomeo como señal de amistad hacia César. Éste siente repulsión por el asesinato de su rival, Cornelia se desmaya y Sesto, su hijo, jura vengar la muerte de su padre.

Achillas regresa al palacio de Ptolomeo para contarle a él y a Cleopatra que César está furioso por la muerte de Pompeyo. Haciéndose pasar por una de sus criadas, Cleopatra se interesa por César y decide seducirle para así tener un aliado y poder destronar a su hermano para gobernar ella Egipto. Se disfraza y se va directa a su encuentro. César se queda fascinado. Nireno, un sirviente de Cleopatra, ve la escena y comprueba que el plan de su señora ha dado sus frutos. Un poco más tarde, Cornelia pretende matar a Ptolomeo, pero Sesto le dice que lo hará él. Ellos dos, junto a César, se van al palacio y allí se encuentran con Ptolomeo, que queda fascinado por la belleza de Cornelia, pero se la ha ofrecido a Achillas. Sesto intenta retar a Ptolomeo sin éxito y cuando Cornelia rechaza a Achillas, los soldados de Ptolomeo toman preso a Sesto.

ACTO II
César se encuentra en el palacio de Cleopatra donde se ha citado con Lidia, que no es otra que Cleopatra disfrazada. Ella, utiliza todas sus armas de seducción. César se queda asombrado y canta un aria de gran belleza.

Cambiando de palacio, esta vez en el de Ptolomeo, Cornelia lamenta su suerte y Achillas intenta seducirla, en vano. Se va y entra Ptolomeo, quien intenta también seducir a la viuda, siendo también rechazado. En el palacio de Cleopatra, César oye a sus enemigos acercarse. En ese momento, Cleopatra revela su verdadera identidad y temiendo por él le pide que huya, pero César decide luchar.

De nuevo en el palacio de Ptolomeo, Sesto reta al rey para vengar la muerte de su padre, pero es interrumpido por Achillas quien dice que ha oído que César ha muerto al saltar desde una ventana. Achillas una vez más, le pide la mano a Cornelia, pero Ptolomeo lo impide ya que también él la quiere. Sesto, aburrido de la vida, intenta suicidarse, pero su madre se lo impide y entonces, vuelve a reafirmarse en su empeño de matar a Ptolomeo.

ACTO III

Se celebra una batalla entre los ejércitos de Ptolomeo y Cleopatra y el primero declara su victoria. Achillas, se pasa al lado de Cleopatra, pero es apuñalado por su antiguo jefe. Cleopatra, se lamenta haber perdido tanto la batalla como a César.

Sesto lucha con Achillas, y éste antes de morir, le da un sello con el cual podrá dirigir a su ejército. En ese momento también aparece César quien lo reclama para sí y promete a Sesto vengarle a él y a Cleopatra o morir en el intento. Achillas muere. Cleopatra ve a César y se alegra. Luego, van al palacio de Ptolomeo y Sesto lo encuentra seduciendo a su madre. Por fin, acaba asesinándolo.

Ya en Alejandría, se encuentran César y Cleopatra. Ambos se proclaman victoriosos. Cleopatra es coronada como reina y todos celebran la paz y la futura prosperidad de Egipto.

Georg F. Haendel: Cara speme, aria de Sesto en el Acto I de "Giulio Cesare in Egitto"

Sesto: Angelika Kirschlager, mezzosoprano

The Orchestra of the Age of Enlightenment

William Christie, director

David McVicar, director escénico

Glyndebourne, agosto de 2005

Cara speme, questo core tu cominci a lusingar. Par che il ciel presti favore i miei torti a vendicar.

¡Dulce esperanza, ya empiezas a consolar mi corazón! Incluso el cielo parece favorecer la venganza de mi ofensa.

Giulio Cesare in Egitto, HWV 17, ópera en tres actos con música de Georg Friedrich Haendel y libreto en italiano de Nicola Francesco Haym, sobre otro libreto de Giacomo Francesco Bussani puesto en música por Antonio Sartorio (1676), fue estrenada en la Royal Academy of Music de Londres el 20 de febrero de 1724.

Julio César y sus victoriosas tropas llegan a las orillas del río Nilo tras derrotar a las fuerzas de Pompeyo. La segunda esposa de Pompeyo, Cornelia, ruega piedad para la vida de su marido. César acepta, pero con la condición de que Pompeyo debe verlo en persona. Achilla, líder del ejército egipcio, presenta a César una cesta conteniendo la cabeza de Pompeyo como señal de amistad de Ptolomeo, quien aspira a reinar en Egipto, oponiéndose duramente a su hermana Cleopatra. Cornelia se desmaya. El asistente de César, Curio, se ofrece para vengar a Cornelia, esperando que de esa manera ella se enamore y se case con él. Cornelia rechaza la oferta con dolor, diciendo que otra muerte no disminuiría su sufrimiento. Sesto, hijo de Cornelia y Pompeyo jura que vengará la muerte de su padre, experimentando más adelante un sentimiento de alivio al intuir que sus planes al respecto parece que van a cumplirse por la unión de su causa a la de Cleopatra frente a Ptolomeo, el enemigo común.

G. F. Haendel: Piangerò la sorte mia, aria de soprano en "Giulio Cesare in Egitto"

Grabación en directo en Mantova, Teatro Bibiena - 25 de abril de 2009

Roberta Invernizzi, soprano
Arìon Consort - Collegio Ghislieri, Pavia - Italia
Giulio Prandi, director

Piangerò la sorte mia, sì crudele e tanto ria, finché vita in petto avrò. Ma poi morta d'ogn'intorno il tiranno  e notte  e giorno fatta spettro agiterò.

No queda esperanza para mi vida. Lloraré mi suerte tan cruel y tan dura, mientras tenga vida y aliento. Pero, muerta, mi espectro rondará por todas partes aterrorizando al tirano noche y día.

El aria es un solo de estructura elaborada en el que una misma melodía puede repetirse con letra diferente. Su objetivo es la expresión de los sentimientos y su forma más conocida es la llamada Da Capo, compuesta por tres secciones: A-B-A’, la segunda de las cuales contrasta con las otras dos; la tercera es la repetición de la primera pero ornamentada.
 

Georg F. Haendel: Música Acuática, Suites HWV 348-350

Le Concert Spirituel

Hervé Niquet, director

Según la historia popular, esta obra sirvió para congraciar al compositor con su monarca, el rey Jorge I de Inglaterra (1660-1727). Siendo Kapellmeister en la corte de los Hannover con Georg Ludwig (Príncipe Elector de Hannover), Haendel obtuvo permiso en otoño de 1712 para viajar a Inglaterra y ausentarse temporalmente para estudiar y componer. Pero tan absoluto fue el éxito de Haendel con sus composiciones en Londres, que ciertamente era reacio a regresar a Hannover.

Con la muerte de la Reina Ana Estuardo de Inglaterra en 1714, el sucesor no es otro que el Príncipe Elector de Hannover, que fue coronado como Jorge I de Inglaterra. Cuando el nuevo gobernante llegó a Londres, Haendel se sintió lógicamente preocupado por haber ignorado a su monarca durante tanto tiempo.

Parece ser que fue a través de la “Música Acuática” como Haendel recuperó los favores de Jorge I de Inglaterra. El monarca había traído consigo al barón von Kielmansegg desde Hannover y había decidido dar un fastuoso paseo fluvial acompañado por todo su séquito. Los festejos debían tener lugar en barcazas abiertas, que navegarían por el Támesis, desde Whitehall hasta Chelsea, donde la fiesta real se detendría para la cena. El barón von Kielmansegg convenció al rey de que hubiera una segunda barcaza con 50 músicos para amenizar el paseo fluvial del rey. El barón se las arreglaría para que fuera Haendel quien compusiera la música.

Se dice que al Rey le agradó tanto la obra que pidió la interpretaran tres veces en el transcurso del viaje. Preguntó la identidad del compositor y cuando descubrió que era Haendel, le perdonó, le felicitó y restauró sus favores y privilegios. Su música fue honrada con los mayores gestos de aprobación real. Muestra de ello, fue la gracia del Rey de añadir la cantidad de 200 libras al año a la pensión vitalicia que la difunta Reina Ana Estuardo le había concedido anteriormente.

Musicalmente es la obra orquestal más amplia de Haendel y presenta una alegre yuxtaposición entre los minués tradicionales y las danzas campesinas inglesas. Se divide en tres suites posiblemente destinadas al viaje río abajo, la cena y el viaje de vuelta. Haendel utilizó un sonido resonante para que la música pudiera oírse a través del agua. La primera Suite en Fa mayor para oboe, fagot, trompas, cuerda y bajo continuo, comienza con una típica obertura barroca al estilo francés. Una introducción lenta es seguida por un allegro en fuga. Para mantener la tradición del concerto grosso, este movimiento da forma a un pequeño concertino de dos violines y oboe que se alterna con la orquesta completa. La suite en Re contiene la música más festiva, majestuosa y salpicada de detalles líricos con el protagonismo de las trompetas y, la suite en Sol es la más íntima, destinada a acompañar la cena, e incluye bellos movimientos en modo menor, mientras las barcazas quedan ancladas.

En nuestros días, la Música Acuática de Haendel compuesta originariamente en 1715 y con la primera aparición de la trompa en una orquesta inglesa, sigue siendo una de las grandes obras instrumentales.

 

Suite en Fa mayor, HWV 348

    Overture (Largo – Allegro)

    Adagio e staccato

    Allegro – Andante – Allegro da capo

    Minuet

    Air

    Minuet

    Bourrée

    Hornpipe

    Allegro (no actual tempo marking)

    Allegro (variant)

    Alla Hornpipe (variant)

Suite en Re mayor, HWV 349

    Overture (Allegro)

    Alla Hornpipe

    Minuet

    Lentement

    Bourrée

 

Suite en Sol mayor, HWV 350

    Allegro

    Rigaudon

    Allegro

   Minuet

   Allegro

 

 

 

Georg Friedrich Haendel: El Mesías, HWV 56

The Sixteen

Harry Cristophers, director

 

Si el padre de Georg Friedrich Haendel hubiera vivido más tiempo, probablemente el mundo habría perdido a un gran compositor. El padre, que era médico en el distrito de Halle en Sajonia, se casó por segunda vez a los 60 años, y Georg Friedrich nació de ese matrimonio. Aunque el joven Handel mostró un excepcional talento musical, tocando el órgano a la edad de siete años, su padre quería que fuera abogado.

Pocos años después de la muerte de su padre, Haendel se dedicó de tiempo completo a la música. En Italia escribió sus primeras óperas y en 1710 viajó a Londres, y lo que al principio se suponía que sería, una visita corta se convirtió en una residencia de por vida.

En 1713, a la edad de 36 años, escribió una obra para celebrar el cumpleaños de la reina Ana, por la cual recibió una pensión vitalicia de 200 libras anuales. Se convirtió en el maestro no oficial de la música real. El rey Jorge I le dobló la pensión, y la coronación de Jorge II, en 1727, incluyó cuatro hinmos compuestos por Haendel. En ese mismo año, Haendel se naturalizó ciudadano inglés y dio a su nombre estilo inglés, convirtiéndolo en George Frederick.

Durante casi 30 años escribió óperas que atrajeron multitudes de londinenses elegantes a los teatros. Pero las óperas de Haendel poseían un característico sabor italiano y las óperas italianas pasaron de moda repentinamente.

Con la salud quebrantada, Haendel estaba a punto de dejar Inglaterra cuando el gobernador de Irlanda lo invitó a dar una serie de conciertos en Dublín. Mientras planeaba su viaje, Haendel escribió un nuevo oratorio, El Mesías, en sólo 23 días, a veces sin dormir ni comer. Cuando terminó el coro de Aleluya, dijo a su asistente: "Creo que he visto el cielo delante de mí, y también a Dios."

El estreno de este oratorio, que se llevó acabo el 13 de abril de 1742 en Dublín, estuvo dedicado a obras de caridad y tuvo un éxito rotundo.

Haendel era profundamente religioso, pero su decisión de escribir El Mesías y concentrarse en los oratorios se debió, en gran parte, a que la ópera italiana ya no estaba de moda en Londres. Veía al oratorio como una forma de ópera que captaba el espíritu de la época, con historias musicalizadas de las Sagradas Escrituras, interpretadas por cantantes, coros y orquesta.

Dada su índole religiosa, los oratorios tenían otra ventaja muy práctica: podían representarse durante la Cuaresma, época en que los demás teatros se veían obligados cerrar.

El Mesías consta de tres partes, fue el  libretista Charles Jennens, quien compuso el texto de la oratoria, formado tan solo por fragmentos bíblicos. Jennens presentó la obra como si fuese una ópera, dividiéndola en tres actos subdivididos en escenas.

La primera parte tiene por tema el Adviento y la Navidad. Se anuncia la venida de Cristo, por lo que nos encontramos con algunos momentos de exaltación marcados de una gran intensidad expresiva.

La segunda parte ilustra la Pasión, la Resurrección y la Ascensión finalizando con el famoso “Hallelujah”. Así pues, la segunda parte, que había empezado en el dolor y la tristeza de la Pasión, se llena de júbilo con el “Hallelujah” arropado por el coro, trompetas y timbales. En la tercera, se relata la victoria de Cristo ante la muerte, el juicio final y la palabra “Amen”, que corona la obra.

Exceptuando la “Sinfonía” inicial, a modo de obertura o introducción, y la “Pifa”, que celebra el nacimiento de Cristo, ambas para orquesta, la obra es una sucesión de arias con algún airoso y algún dueto, recitativos y coros.

El libreto de Charles Jennens consiste en una serie de fragmentos de versículos de la Biblia del Rey James. Jennes concibió el trabajo más como una ópera con tres actos, constando cada una de varias escenas:

I – El Nacimiento.

1. – La profecía de la Salvación.

2. – La profecía de la llegada del Mesías.

3. – Anuncios al mundo en general.

4. – Profecía del nacimiento virginal.

5. – La Aparición del ángel a los pastores.

6. – Los Milagros de Cristo.

II – La Pasión

I – El sacrificio, la flagelación y la agonía en la cruz.

II – Muerte, descenso a los Infiernos y Resurrección.

III – La Ascensión.

IV – Dios revela su identidad en el Cielo.

V – El comienzo de la predicación del Evangelio.

VI – El mundo y sus dirigentes rechazan el Evangelio.

VII – El triunfo de Dios.

III – Las Secuelas

I – La promesa de la redención desde la caída de Adán.

II – El día del Juicio Final.

III – La victoria sobre la Muerte y el Pecado.

IV – La glorificación de Cristo.

V – Amén.

Durante el estreno de El Mesías en el Covent Garden, de Londres. el rey Jorge II se emocionó tanto que, al llegar la parte de los coros de Aleluya, se puso a dar saltitos. Sus súbditos hicieron lo mismo y, desde entonces, se hizo tradición el ponerse de pie cada vez que es ejecutada esa parte.

Haendel quedó ciego siete años antes de morir. En 1759, durante una representación de El Mesías, cayó desmayado y nunca se recobró. Fue sepultado en la Abadía de Westminster, pero su petición de ser enterrado de forma privada no fue obedecida. Más de 3,000 entristecidos admiradores acudieron al funeral.

A los veinticinco años de su muerte, se llevó a cabo una representación conmemorativa de El Mesías, que incluyó la fabulosa cantidad de 95 violines, 26 violas, 21 cellos, 20 oboes, 12 trompetas, 4 juegos de timbales y un coro compuesto por 257 voces. En los festivales en honor a Haendel, que se llevaron a cabo entre 1857 y 1926, tornaron parte más de 4.000 ejecutantes.

Esta gran cantidad de instrumentistas, aunque no formaba parte del concepto original de Haendel, ha logrado que El Mesías sea una de las piezas más conocidas del compositor. Ninguna Navidad o Pascua transcurre sin que se toque esta obra en algún lugar.

Georg Friedrich Haendel: Danzas de "Alcina" (Gavota y Tambourin)

Tafelmusik Baroque Orchestra

Haendel es uno de los más importantes compositores de ópera universal, el mayor en el ámbito de la barroca, y el más destacado en la opera seria, subgénero dramático de la ópera barroca del siglo XVII. Dentro del transcurso de la opera seria, sin embargo, Haendel no puede ser comparado con sus antecesores (Alessandro Scarlatti) o con sus sucesores (Hasse, Gluck, Porpora), siendo diferente de ellos por su forma que, además de la consabida influencia italiana basada en números y recitativos, incorpora recursos de la música instrumental alemana y de la ópera francesa (obertura en dos secciones, danzas, etc.)

Alcina, HWV 34, es una ópera seria en tres actos. La trama se extrajo – pero parcialmente alterada para una mejor conformidad – del Orlando furioso de Ariosto (como las óperas de Händel Orlando y Ariodante), un poema épico ambientado en la época de las luchas de Carlomagno contra el Islam. La ópera contiene varias secuencias musicales con oportunidades de lucimiento para la danza que se compusieron para la bailarina francesa Marie Sallé.

Georg Friedrich Haendel: "Ombra mai fu", de "Serse", HWV 40

Cecilia Bartoli, mezzosoprano

Il Giardino Armonio

Giovanni Antonini, director

El Largo de Händel, como popularmente se conoce a este arioso en tiempo larghetto, es un bello tema de amor… a un árbol.

Jerjes I, Rey de Persia (papel para castrato y hoy aplicable a una mezzosoprano), se encuentra bajo la sombra de un platanero de su jardín y canta embelesado sus excelencias:

Ombra mai fù di vegetabile cara ed amabile soave più (Jamás ha existido sombra vegetal tan querida y amable).

Aunque luego se enamorará perdidamente de Romilda, la prometida de su hermano…

Serse es una ópera italiana con música de Georg Friedrich Haendel. Es probable que el libreto fuera escrito para una ópera anterior de Giovanni Bononcini; en esta versión el libreto es de Niccolò Minato y Silvio Stampiglia. La obra se estrenó en el King's Theatre de Londres el 15 de abril de 1738.

Serse es la más mozartiana de las óperas de Haendel. La pasión está mezclada con la farsa y la sátira; la estupidez humana es expuesta pero no ridiculizada.  Su acción discurre en Persia, en el año 480 a. C. y el personaje principal es el rey Jerjes I, aunque el argumento tiene pocos elementos que hagan esto relevante.

Georg Friedrich Haendel: "Da tempeste", aria de Cleopatra en "Giulio Cesare in Egitto", HWV 17

Danielle de Niese, soprano

En el Acto III, Ptolomeo sale victorioso de una batalla entre sus fuerzas y las de Cleopatra; ahora ella es prisionera de su hermano en sus aposentos, Cleopatra se despide de sus sirvientes porque piensa en el suicidio. César y sus soldados entran para liberarla. Él retorna después del encuentro al campo de batalla, mientras ella se regocija con su repentino cambio de suerte en el aria “Da tempeste”:

Da tempeste il legno infranto,  se poi salvo giunge in porto,  non sa più che desiar.  Così il cor tra pene e pianto,  or che trova il suo conforto,  torna l’anima a bear.

Por tempestades rota la barca, si luego al puerto llega a salvo, no puede desear ya nada más. Así el corazón, entre penas y llanto, una vez que ha hallado el consuelo puede el alma jubilar.

Georg Friedrich Haendel: "Va tacito e nascosto", aria de Julio César en "Giulio Cesare in Egitto", HWV 17

Sarah Connolly, mezzosoprano

  

Julio César está envuelto en un amargo conflicto contra Pompeyo el Grande, por el control del mundo romano. En su batalla más reciente, en Farsalia (48 a.C.), César ha derrotado a su rival, quien ha huido hacia Egipto, imperio que se halla bajo la regencia de Ptolomeo y su hermana, Cleopatra. César ha seguido a Pompeyo hasta Alejandría.

En el Acto I de la ópera de Haendel, el pueblo egipcio le da la bienvenida a César en Alejandría. Cornelia y Sexto, esposa e hijo de Pompeyo, solicitan que los dos romanos hagan las paces, y César está de acuerdo. En ese momento entra Achilla, comandante del ejército egipcio, trayendo la cabeza de Pompeyo como presente de Ptolomeo XIII, el Rey de Egipto, para César. Horrorizado, César le dice a Aquiles que debe ir a la corte de Ptolomeo para hablar con el rey.

En el palacio real, al que ha acudido para entrevistarse con Ptolomeo, César expresa ante el Rey de Egipto su disgusto por el asesinato de Pompeyo. Una vez que se encuentra a solas, reflexiona sobre el astuto cazador invisible que se mueve silenciosamente.

 

Georg Friedrich Haendel: Cessa omai di sospirare, aria de Cornelia en "Giulio Cesare in Egitto", HWV 17

Ewa Podles, contralto

Georg Friedrich Haendel (Halle 1685 - Londres 1759) alcanzó con esta obra una de sus cimas como compositor. El libreto es bastante convencional y responde a lo que más tarde se conocería como "ópera seria"; sin embargo Giulio Cesare está hábilmente orquestada y posee una gran riqueza melódica.

El estreno tuvo lugar el 20 de febrero de 1724 en el King's Theatre de Haymarket, Londres. El texto es obra de Nicola Haym que a su vez se basó en otro libreto de G. F. Bussani para una ópera anterior, de igual título, con música de Antonio Sartorio, estrenada en Venecia en 1676.

En el Acto II Cornelia, la viuda de Pompeyo, amenaza con suicidarse (aria “Cessa omai di sospirare”) por el acoso que sufre por parte de Achilla, general del ejército de Tolomeo,  pero su hijo Sexto aparecerá junto a Nireno a tiempo para impedírselo.

 

Georg Friedrich Haendel: Iris, hence away! de "Semele", HWV 58

Marilyn Horne, mezzosoprano

Semele, HWV 58, es una ópera u oratorio del año 1744, en tres actos, con música de George Friedrich Haendel, basado en el mito clásico de Sémele, madre de Dionisos.

La obra se estrenó el 10 de febrero de 1744 en el Teatro del Covent Garden, en Londres. Sin embargo, fracasó. El público de la serie de conciertos que se celebraban anualmente en época de Cuaresma esperaba un tema basado en la Biblia. Es decir que un oratorio hubiese satisfecho sus expectativas. Pero el tema amoroso de Semele era obvio que bebía de los mitos griegos, no de las leyes hebreas, lo que desagradó a quienes acudieron buscando una forma de elevación espiritual. Al ser su libreto en inglés, disgustó también a los defensores de la ópera italiana.

Esta ópera se representa poco, pero el aria de Juno en el Acto II, “Iris, hence away!” es muy frecuente en los recitales de las mezzosopranos.

Georg Friedrich Haendel: "Tornami a vagheggiar", de Alcina HWV 34

Joan Sutherland, soprano

Richard Bonynge, piano

Esta obra de Georg Fiedrich Haendel (Halle -Alemania-, 1685 -; Londres, 1759) constituye una de las cimas de su producción operística junto a Julio César en Egipto (Londres, 1724). La obra sigue el consabido esquema barroco de Recitativo secco-Aria , pero el argumento mágico hace que sea posible la inclusión de escenas de baile, haciendo patente así la influencia de la ópera francesa. Hay que hacer notar que Alcina se representó en la reapertura del Covent Garden y que el empresario, John Rich, había contratado la compañía de ballet de la francesa Marie Salle; quizás es éste el motivo por lo que en cada acto de la obra se incluye un número de ballet, no siempre justificado por la trama.

El libreto de Antonio Marchi, está basado en el los cantos VI y VII del poema de Ludovico Ariosto Orlando Furioso y en un libreto de Riccardo Broschi (hermano de Farinelli) titulado La isla de Alcina. El estreno tuvo lugar el 16 de abril de 1735 en el Teatro del Covent Garden de Londres.

 

Georg Friedrich Haendel: Recitativo y aria de bajo de "El Mesías"

Alastair Miles, bajo

Crispian Steele-Perkins, trompeta

The Brandenburg Consort

Stephen Cleobury, director

Nº 45. Recitative (Bass) (1 Corinthians 15:51-52) Behold, I tell you a mystery; We shall not all sleep, but we shall all be changed, In a moment, in the twinkling of an eye, at the last trumpet.   Nº 46. Aria (Bass) (1 Corinthians 15:52-53) The trumpet shall sound, and the dead shall be raised incorruptible, and we shall be changed. For this corruptible must put on incorruption, and this mortal must put on immortality.

Nº 45. Recitativo de Bajo (Corintios 15:51-52) Mirad os revelaré un secreto, no todos moriremos, seremos transformados. En un momento; en un guiñar de ojos, al son de la última trompeta.   Nº 46. Aria de Bajo (Corintios 15:52-53) La trompeta sonará, y los muertos se levantarán incorruptos, y seremos transformados. Porque lo corrupto será incorrupto y lo mortal inmortal.

El Recitativo es una forma musical concebida para la voz humana que se caracteriza por reproducir las inflexiones de ésta cuando dialoga. El recitativo se encuentra en óperas, oratorios y cantatas de los s. XVII al XIX. Los compositores que introdujeron la nueva forma vocal fueron los italianos Giulio Caccini (1551-1618) y Jacobo Peri (1561-1633), ambos del círculo intelectual de la Camerata fiorentina.

Cuando el Recitativo es acompañado solamente por un instrumento de teclado, como el clavecín, con la posible adición de otro instrumento ―generalmente un violonchelo, que ejecuta el bajo― se conoce como Recitativo secco. Se define de esta forma ya que su instrumentación es escasa en comparación con el Recitativo acompagnato o stromentato, en el cual aparece un acompañamiento musical más rico, en el cual puede llegar a participar toda la orquesta.

El Aria da capo es un tipo de aria que se da en la música barroca. Se caracteriza por su forma ternaria, es decir en tres partes. Como la mayoría de las arias, se interpreta por un solista vocal acompañado por instrumentos, normalmente una orquesta pequeña. Los compositores encontraron esta forma no sólo útil sino básica o fundamental durante cerca de un siglo.

La forma general de esta aria se representa por A-B-A’, donde “A” es la sección inicial, que porta el tema principal (en la tónica) y sus ornamentos; B es la sección secundaria, normalmente en la tonalidad dominante para hacer contraste;  A’ es la repetición de la primera sección, pero con variaciones personales a gusto del cantante.

La primera sección del Aria da capo es una entidad musical completa, ya que termina en la tónica, y que en principio podía ser cantada por separado. La segunda sección contrasta con la primera en su textura musical, ánimo o tempo. La tercera sección normalmente no se escribía en la partitura: el compositor se limitaba a indicar que se repitiera la primera parte con las palabras "da capo" (que en italiano significa "desde el principio"). En esta parte el cantante debía podía improvisar toda clase de variaciones y adornos que considerara apropiadas para su lucimiento.