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miércoles, 13 de noviembre de 2013

Alessandro Scarlatti: Cantata "O di Betlemme altera"

Nancy Argenta, soprano
The English Concert
Trevor Pinnock, director 

La cantata es un género vocal, narrativo, pero sin acción dramática. La cantata italiana es algo parecido a un madrigal de estilo monódico más desarrollado. Puede haber un solista o varios. Terminará siendo una especie de ópera en miniatura sin escenificar. En los países protestantes, especialmente en Alemania, la cantata tendrá también contenidos religiosos (como las de Bach), pero en general sus temas son profanos.

La cantata, como forma concentrada de una escena de ópera, era consideraba como la más alta forma de expresión artística. En las cantatas de Scarlatti, la voz (generalmente soprano o contralto) es acompañada sólo por el basso continuo. La estructura  consiste en varias arias da capo conectadas por recitativos. La más común es la de cuatro movimientos (recitativo, aria, recitativo, aria), aunque alguno de los recitativos puede ser sustituido por un arioso. Scarlatti utiliza magistralmente los recursos musicales de su tiempo.

La música trata a menudo de representar pictóricamente los poéticos textos. La intensidad de los sentimientos suele ser representada por ingeniosas progresiones armónicas. Es frecuente la utilización del acorde de sexta napolitana. También suele emplear algún instrumento, como el cello, para introducir la atmósfera de un aria. Algunas cantatas pueden ir precedidas de una sinfonía al estilo de las óperas venecianas, a la manera de Corelli, a quien Scarlatti conocía perfectamente.

jueves, 27 de junio de 2013

Carl Orff: Carmina Burana

Kathleen Battle, soprano
Frank Lopardo, tenor
Thomas Allen, barítono
 
Coro Sin-Yu Kai
Orquesta Filarmónica de Berlín
Seiji Ozawa, director
 
I.- FORTUNA IMPERATRIX MUNDI
1. O Fortuna
2. Fortune plango vulnera
 
II.- PRIMO VERE
3. Veris leta facies
4. Omnia Sol Temperat
5. Ecce Gratum
 
III.- UF DEM ANGER
6. Tanz.
7. Floret Silva Nobilis
8. Chramer, Gip Die Varwe Mir
9. Reie.
10. Were Diu Werlt Alle Min
IV.- IN TABERNA
     11. Estuans interius
12. Cignus ustus cantat
13. Ego sum abbas
14. In taberna quando sumus
V.- COUR D'AMOURS
15. Amor volat undique
16. Dies, noxe et omnia
17. Stetit puella
18. Circa mea pectora
19. Si puer cum puellula
20. Veni, veni, venias
21. In truitina
22. Tempus es iocundum
23. Dulcissime
VI.- BLANZIFLOR ET HELENA
24. Ave formosissima
VII.-FORTUNA IMPERATRIX MUNDI
25. O Fortuna
En 1803, durante la desamortización, se encontró en Benediktbeuren, una abadía de benedictinos en Baviera, un volumen con cerca de doscientos poemas y canciones medievales. Los autores fueron monjes y eruditos errantes de vida licenciosa, conocidos en la historia como goliardos; los textos estaban en latín, alemán popular y algunos en francés. La inspiración cubría una amplia gama, desde lo desvergonzadamente grosero a Homero, Cátulo y Ovidio, y se trataban dos temáticas principales, lo amoroso y lo satírico. Esa colección llevaba el nombre de Carmina Burana.
Carl Orff (1895-1982) descendiente de una antigua familia de eruditos y militares de Múnich se interesó desde muy joven por esa colección y realizó una especie de arreglo en “canciones seculares (no religiosas) para solistas y coros acompañados de instrumentos e imágenes mágicas”.
Carmina Burana, cantata compuesta en 1937, presenta una concepción pagana de la vida con una música clara hasta la ostentación, rítmica elemental, elementos arcaicos – armonías aparentemente antiguas, coros sin polifonía- y efectos obtenidos con una percusión abundante.
La cantata está enmarcada por un símbolo de antigüedad, la rueda de la fortuna, que gira eternamente trayendo alternadamente mala o buena suerte, una parábola de la vida humana en constante girar. El clamor del coro a la Diosa de la Fortuna introduce y concluye la obra que se divide en tres secciones: el encuentro del hombre con la naturaleza, particularmente con la naturaleza que despierta en primavera; su encuentro con los dones de la naturaleza cuyo punto culminante es el don del vino en la sección In Taberna, y su encuentro con el amor.

sábado, 27 de abril de 2013

Alessandro Scarlatti: Cantata "Su le sponde del Tebro"

Kathleen Battle, soprano
Wynton Marsalis, trompeta

Su le Sponde de Tebro es una cantata para voz solista y trompeta. Su texto es pastoral y contiene la queja típica de un amor no correspondido. La partitura dispone una trompeta, que se utiliza como un instrumento obbligato y ofrece texturas en dúo con la voz. El texto y la forma de la cantata son moldeadas por pasajes narrativos dentro de los cuales sincluyen los recitativos y arias patéticos del protagonista Aminto. Esta disposición deriva de las obras de Monteverdi y va a servir durante toda la historia de la cantata. Contrasta narración impersonal de las emociones personales expresadas en clave lírica. La cantata comienza con un recitativo al que siguen pasajes intensamente líricos. Las arias de esta cantata se escriben en contraste entre sí, tanto emocional como musicalmente. Después de un ritornello orquestal del aria de apertura comienza, con un obbligato trompeta con una parte vocal que imita los temas del instrumento.

jueves, 27 de diciembre de 2012

Dietrich Buxtehude: Mit Fried und Freud ich fahr dahin, BuxWV 76

Andreas Scholl (contratenor)



La música vocal de Dietrich Buxtehude (1637-1707) adopta muchas formas, aunque su ingrediente fundamental es el aria estrófica para voz sola y continuo. La canción sacra era un género predilecto entre los organistas en toda la Alemania protestante, que raras veces disponían de un coro.

Muchas de las arias de Buxtehude tienen textos de teólogos o himnólogos del siglo XVII que expresan una relación con Jesús en primera persona. La música es a veces rigurosamente estrófica.

Pero el tono más íntimo y más personal de estas arias se acentúa en el Klagelied (BuxWV 76/II), elegía compuesta por Buxtehude en 1674 para la muerte de su padre. El texto, escrito por el propio compositor, comienza expresando su desconcierto y desesperación ante la muerte: “¿Por qué ha de arrancarme la muerte / a quien llevo junto a mi corazón?” Pero, poco a poco, la labor musical le consuela de su pena, hasta que, en la sexta estrofa, imagina a su padre interpretando “cantos de alegría / en el celestial teclado”. La melodía es lastimera, con intervalos de un sincero sentimiento, y se contrapone a un acompañamiento de cuerdas de sonoridad intensa y algo disonante. Según la portada de la versión impresa, esta canción elegíaca fue interpretada en el funeral del padre de Buxtehude junto con varias versiones contrapuntísticas del Nunc dimittis; pero también podemos imaginar que el compositor recurrió al Klagelied para su devoción privada, a fin de consolarse de su pena.



La cantataconsta de las siguientes partes:

Contrapunctus I

Evolutio

Contrapunctus II

Evolutio

Klag-Lied